Medellín está a punto de escribir un nuevo capítulo en su historia cultural. Daviarena, la arena multipropósito que se levanta en Sabaneta con 55.000 m² construidos y capacidad para 17.200 personas, no será simplemente un recinto nuevo: será la declaración de que la capital de Antioquia está lista para competir con las grandes ligas del entretenimiento mundial.

El proyecto, fruto de la alianza entre BeatHub Entertainment y Davivienda, representa una inversión privada de $320.000 millones de pesos y fue diseñado por la firma británica HOK, la misma detrás del O2 de Londres y el Mercedes-Benz Stadium de Atlanta. Sus líneas arquitectónicas, inspiradas en la tradición de los silleteros, no podían tener una firma de origen más apropiada.

El recinto está concebido para más de 75 eventos al año, con una parrilla técnica de 140 toneladas capaz de soportar las producciones más exigentes del mundo.

Suites de lujo, palcos exclusivos, silletería de alta gama, sistemas bioclimáticos y una visibilidad perfecta desde cualquier ángulo completarán una experiencia que promete convertir cada visita en algo memorable, independientemente del tipo de espectáculo.

Pero Daviarena no llega sola a este mundo. Hay una lógica bien establecida detrás de vincular grandes marcas a grandes venues, y el mundo lo viene demostrando hace décadas.

El O2 de Londres —rebautizado así cuando la operadora de telecomunicaciones compró los derechos de nombre del antiguo Millennium Dome en 2005— se convirtió en el recinto de entretenimiento en vivo más taquillero del planeta.

El Crypto.com Arena en Los Ángeles, el Co-op Live en Manchester, el Barclays Arena en Hamburgo: en todos estos casos, una marca inteligente no solo financia un espacio, sino que se convierte en sinónimo de experiencias extraordinarias. La gente no dice "voy al estadio de los Lakers"; dice "voy al Crypto". Así de profundo es ese vínculo.

Y no es casualidad. Las marcas que apuestan por los grandes escenarios culturales saben que están comprando algo que ninguna pauta publicitaria puede replicar: presencia emocional.

Estar ahí cuando la gente llora con una canción, celebra un gol o vive un momento irrepetible. En ese contexto, que un banco colombiano haya dado ese paso dice mucho sobre hacia dónde va la industria cultural en el país.

Daviarena llega también a llenar un vacío real en el ecosistema de eventos en vivo. No todo puede ser estadio. Los grandes colosos como el Atanasio Girardot tienen su magia, pero imponen condiciones logísticas y acústicas que muchos artistas y promotores prefieren evitar.

Las arenas de capacidad media —entre 10.000 y 20.000 personas— son el formato favorito de las giras internacionales más importantes precisamente porque permiten espectáculos más íntimos, producciones más controladas y una experiencia de público mucho más inmersiva. Ciudad de México tiene el Palacio de los Deportes. Bogotá tiene el Movistar Arena. Ahora Medellín tendrá su respuesta.

Y si hay una ciudad en Colombia que se merecía esto, es Medellín. No por orgullo regional, sino por razones objetivas y contundentes. La ciudad ha sido cuna de géneros, tendencias y artistas que han reconfigurado la música latinoamericana: del tango que adoptó como propio, al rock que exportó al mundo, pasando por el vallenato urbano y hasta el reguetón que encontró aquí algunas de sus voces más influyentes.

Medellín produce música con una intensidad que pocas ciudades del continente pueden igualar, y su industria —productores, sellos independientes, mánagers, compositores— lleva años operando a nivel mundial desde esta ciudad, muchas veces sin los escenarios que esa ambición merece.

Colombia entera ha ganado terreno en la industria musical global en la última década. El país es hoy uno de los mercados de streaming más dinámicos de la región, y sus artistas acumulan reproducciones, premios y giras que antes parecían impensables.

Davia

Daviarena, el nuevo epicentro de los conciertos en Medellín

El resurgimiento del vinilo

Hay objetos que no mueren. El disco de vinilo es uno de ellos.

Todo empezó en 1948, cuando Columbia Records lanzó el primer LP de larga duración: un disco de 12 pulgadas capaz de contener hasta 23 minutos de música por cara. Fue una revolución silenciosa. Durante las décadas siguientes, el vinilo se convirtió en el lenguaje universal de la música: habitaciones llenas de cartones coloridos, agujas que caían con cuidado sobre surcos negros, portadas que eran obras de arte. Led Zeppelin, Carlos Gardel, Celia Cruz, los Beatles — todos llegaron a los oídos del mundo a través de ese surco de plástico.

Pero a finales de los años 80, llegó el CD con su promesa de perfección digital, y el vinilo comenzó a ceder terreno. En los 90, la caída fue libre. Las disqueras abandonaron sus prensas. Las tiendas cerraron. Para el año 2006, en Estados Unidos — el mercado más grande del mundo — se vendieron menos de un millón de discos de vinilo. Parecía el final definitivo de un formato que había dominado el siglo XX.

Sin embargo, el vinilo tenía algo que el CD y el MP3 nunca pudieron replicar: alma. Una calidez en el sonido, una textura en el ritual, una presencia física que ningún archivo digital puede ofrecer. Y poco a poco, casi en silencio, comenzó a regresar.

Lo que vino después puede llamarse, sin exageración, uno de los fenómenos culturales más sorprendentes de nuestra era. Desde 2006, las ventas de vinilo han crecido de manera ininterrumpida por 19 años consecutivos. En 2025, en Estados Unidos solamente, se vendieron casi 47 millones de discos, y los ingresos del formato superaron por primera vez los mil millones de dólares. A nivel global, el mercado del vinilo vale hoy cerca de 1.9 mil millones de dólares, y las proyecciones lo llevan a duplicarse antes de 2033.

Lo más fascinante es quién está comprando. El 27% de todos los discos de vinilo los adquiere hoy la Generación Z — personas nacidas entre 1997 y 2012, que crecieron con Spotify en el bolsillo y sin embargo eligen el formato análogo. No es nostalgia, porque ellos nunca vivieron la era del vinilo. Es algo distinto: la búsqueda de autenticidad, de permanencia, de una experiencia sensorial que ninguna playlist puede dar. En un mundo de suscripciones que se cancelan y canciones que desaparecen de plataformas, el disco de vinilo ofrece algo radical: es tuyo para siempre.

El ritual también importa. Elegir un disco. Sacarlo del sobre. Limpiar la aguja. Poner el acetato a girar. Ese proceso lento y deliberado se ha convertido en una forma de meditación activa, un antídoto al scroll infinito. Las tiendas de discos independientes, que muchos daban por muertas, representan hoy el 40% de todas las ventas de vinilo en el mundo. Son espacios de comunidad, de descubrimiento, de conversación entre generaciones.

El vinilo también se reinventó estéticamente: ediciones de colores, portadas desplegables, prensados de coleccionista, discos con QR codes que conectan lo análogo con lo digital. La industria respondió: Sony Music invirtió 25 millones de dólares en ampliar su capacidad de producción. La Unión Europea destinó 20 millones de euros a un programa llamado, precisamente, "Vinyl Revival".

El vinilo no volvió. Nunca se fue del todo. Solo esperó a que el mundo recordara que la música también se toca, se huele y se ve.

En el más reciente episodio de Somos Canciones, conversamos con Jaime Franco, DJ y dealer musical que vive y respira esta fiebre desde adentro. Jaime está al frente del Cuarto Mercado Vinilero, un encuentro para amantes del disco de vinilo que combina venta de discos y toques en vivo de DJs — todo en formato análogo. El evento se realizará el 25 de abril en el Ateneo Porfirio Barba Jacob (Torres de Bomboná, Medellín), de 11 AM a 6 PM. Una jornada para dejarse llevar por el surco, la aguja y el sonido que no se comprime.

El resurgimiento del vinilo - Jaime Franco

¿Tiene futuro la radio musical en la era del algoritmo? - Gabriel Posada & Oscar "tito" López

Durante décadas, la radio musical fue mucho más que un canal para escuchar canciones. Fue compañía, descubrimiento, identidad y conversación. Una emisora podía definir el sonido de una ciudad, marcar generaciones e incluso convertir una canción en un himno. Pero hoy el escenario es otro: las plataformas de streaming, los algoritmos, TikTok, YouTube, los podcasts y los hábitos de consumo bajo demanda han cambiado por completo la relación de las personas con la música y con el audio.

La gran pregunta no es si la radio musical está desapareciendo. La pregunta real es si está sabiendo adaptarse al nuevo ecosistema.

Hoy competimos contra plataformas que ofrecen inmediatez, personalización y control total. Un oyente ya no necesita esperar a que suene su canción favorita: la busca, la guarda, la repite, la comparte y la convierte en banda sonora de su propio algoritmo. En ese contexto, la radio perdió una de sus ventajas históricas: ser la puerta principal para descubrir música.

Pero eso no significa que haya perdido todo.

Porque si algo sigue teniendo valor en medio del exceso de contenido es el criterio. Y ahí la radio todavía tiene una carta poderosa: la curaduría humana. En un mundo saturado de opciones, todavía hay espacio para una voz que entienda el momento, que conecte canciones con emociones, que proponga contexto y que convierta una simple programación en una experiencia.

El problema es que muchas emisoras dejaron de comportarse como medios con personalidad y empezaron a sonar como listas automáticas con pausas comerciales. Y cuando la radio renuncia a su identidad, el algoritmo gana por goleada.

Sin embargo, también hay una oportunidad enorme. La radio musical ya no puede pensarse solo como una frecuencia. Tiene que asumirse como una marca de contenidos. Eso significa vivir al aire, sí, pero también en video, en clips, en redes sociales, en comunidades digitales, en experiencias en vivo y, por supuesto, en formatos como el podcast. Las nuevas audiencias no consumen “emisoras”; consumen momentos, afinidades, voces y contenidos que les aporten algo.

Quizás el futuro de la radio musical no está en competir frontalmente con Spotify o TikTok, sino en hacer mejor lo que esas plataformas no saben hacer tan bien: crear comunidad, acompañar en tiempo real, interpretar culturalmente una canción y darle a la música una narrativa que vaya más allá del play.

De eso vamos a hablar en este nuevo episodio de Somos Canciones. Me acompañan dos profesionales con una trayectoria sólida y muy respetada en la radio musical: Óscar Tito López y Gabriel Posada Galvis, dos voces con experiencia real en la dirección, programación y evolución de emisoras en distintos momentos de la industria.

Junto a ellos estará, Santiago Ríos, conductor de “Somos Canciones” también desde su experiencia en la radio y en el mundo del contenido, para abrir una conversación honesta sobre el futuro de las emisoras musicales. No para posar de gurús ni para dar fórmulas mágicas, sino para compartir preguntas, señales y algunas pistas sobre hacia dónde podría moverse un medio que, aunque ha cambiado, todavía tiene mucho por decir… y por sonar.

#TitoLópez, #Radio, #RadioMusical, #Spotify, #TikTok, #GabrielPosada, #SantiagoRios

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¿Tiene futuro la radio musical en la era del algoritmo? - Gabriel Posada & Oscar "tito" López

Colabórenme con la salida, un cuento musical - Santiago Ríos

Este episodio tiene que ver con literatura y música. ¿Qué pasa cuando se termina la fiesta? ¿Cuándo sacan a la gente de los bares y las discotecas? En parte es el sentido de la canción “Closing time” de Semisonic que inspiró el cuento que comparto en este episodio.

La narración es un ejercicio práctico que hace parte de un taller de literatura a partir de canciones, al que estoy asistiendo, dictado por el autor colombiano Luis Miguel Rivas.

Lo cierto es que estoy encarretado con la escritura. De hecho acabo de terminar la escritura de un libro. Es una novela, cuyo manuscrito envié a casas editoriales grandes y pequeñas para que publiquen el libro.

Sino lo consigo, de todos modos, lo publicaré por mi cuenta.

Les comparto la sinopsis de mi libro:

Sinopsis: Andrés Madrid es un DJ talentoso y arrogante que construyó su nombre entrevistando estrellas del rock y definiendo el sonido de la emisora que dirige. Vive convencido de que el rock lo respalda y lo legitima.

Hasta que pierde el trabajo en circunstancias vergonzosas y termina musicalizando, con canciones tropicales y populares, un almacén de ropa de imitaciones baratas para poder sobrevivir.

En una fiesta privada en la que es contratado, desaparece un vinilo colombiano bailable de edición limitada, una pieza incunable valorada en miles de dólares que le habían confiado. Recuperarlo no es solo una cuestión económica: es la primera vez que algo ajeno al rock le importa lo suficiente como para jugarse por ello.

Lo que comienza como la búsqueda de un disco lo empuja a un terreno donde el prestigio, la lealtad, el ego, el amor y el poder se mezclan con algo mucho más peligroso.

En una historia cruzada por canciones, artistas y duelos musicales —entre el rock y el chucu-chucu, entre la Casa Blanca y El Hueco, entre Paul McCartney y el Loko Quintero—, Andrés tendrá que decidir hasta dónde está dispuesto a llegar para recuperar su lugar… Porque esta vez no perderá solo un disco. Puede perderlo todo.

Vulevo con este episodio. Es un cuento que parte de “Closing Time”

Espero lo disfruten

#Semisonic, #Closing Time, #Nuevo Rock, #Santiago Rios, #Somos Canciones, #Luis Miguel Rivas, #Historias De Música, # Historias Con Canciones

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Colabórenme con la salida, un cuento musical - Santiago Ríos

Canciones con plan de negocios – María Isabel Ramírez

Durante mucho tiempo se ha romantizado la idea del artista como un ser guiado únicamente por la inspiración, el talento y la sensibilidad. La música como vocación pura, casi ajena a las reglas del mundo real.

Pero la industria musical de hoy —más abierta, más digital y también más competitiva— ha demostrado algo con claridad: el talento es fundamental, pero no suficiente. Sin dirección, estrategia y visión, incluso las mejores canciones pueden quedarse sin audiencia.

En ese contexto aparece un concepto que cada vez toma más fuerza: el artista como gestor de su propio proyecto. No se trata de que el músico deje de crear para convertirse en empresario, sino de entender que detrás de cada carrera hay decisiones, prioridades y objetivos que requieren planificación.

Un proyecto musical necesita identidad, posicionamiento, público, narrativa y sostenibilidad en el tiempo. En otras palabras, necesita un plan.

Pensar la música desde una lógica de negocio no significa perder autenticidad. Al contrario: permite que la creatividad tenga un camino más claro para llegar a las personas correctas.

Hoy un artista compite no solo con otros artistas, sino con miles de contenidos que disputan la atención del público. Saber quién eres, a quién le cantas y qué quieres construir se vuelve tan importante como la calidad de una canción.

En el episodio “Canciones con plan de negocios” de Somos Canciones, la conversación gira alrededor de esa idea poderosa: el artista como CEO de su propio proyecto.

Una mirada que invita a asumir responsabilidad, liderazgo y visión estratégica sobre la carrera musical. Porque cuando un artista entiende su proyecto como una empresa creativa, aparecen preguntas clave: ¿qué quiero lograr?, ¿cómo me posiciono?, ¿qué decisiones me acercan o me alejan de ese objetivo?, ¿cómo construyo valor en el tiempo?

Este enfoque no elimina la magia de la música. La organiza. Permite que el talento encuentre estructura y que la pasión tenga dirección. Muchos proyectos musicales se quedan en el camino no por falta de capacidad artística, sino por ausencia de estrategia. Entender esto cambia la manera en que se toman decisiones, se invierte tiempo y se construyen oportunidades.

La invitada de este episodio es María Isabel Ramírez, fundadora y directora de Queen Street Talent, una agencia especializada en PR y marketing musical que trabaja en el desarrollo y posicionamiento de artistas.

Su trayectoria profesional incluye experiencias en compañías de la industria como Universal Music y Sony Music, lo que le ha permitido conocer el negocio desde distintos ángulos: el corporativo, el creativo y el estratégico. Y entenderlo desde dos épocas: cuando se vendían CDs y hoy donde el streaming, las regalías y los conciertos son la norma.

A lo largo de su carrera, María Isabel ha sido reconocida por su enfoque en el crecimiento sostenible de los proyectos musicales y por promover una visión en la que el artista asume un rol activo en su desarrollo profesional.

En Somos Canciones, María Isabel comparte reflexiones valiosas sobre cómo equilibrar creatividad y estrategia para que la música no solo se escuche, sino que también construya futuro.

#María Isabel Ramírez, #Sony Music, #Billy Joel, #Diana Ross, #Alberto Cortes, #Los Carrangueros de Raquira, #Wilfrido Vargas, #Las Chicas del Can, #Billie Eilish, #Taylor Swift, #J Balvin

Playlist de María Isabel Ramírez

https://open.spotify.com/playlist/3oS2bsNnm0qE8MbzUJzWx5?si=M2wmR5UATGiqOPg6uUkivg&pi=H_TXNIB1Rpa6-

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Canciones con plan de negocios – María Isabel Ramírez

La imposible canción más bonita del mundo

Hay libros que se leen en silencio y, aun así, suenan. Suenan porque hay música dentro en canciones y artistas que se convierten en parte de la narración. Pero incluso, a veces sin mencionar canciones, las lecturas suenan con una musicalidad porque tienen ritmo, pausas, silencios y repeticiones que funcionan como una melodía interna. Leer, muchas veces, es también escuchar. Y desde ahí parte esta conversación de “Somos Canciones”: no para afirmar que la música “es” literatura, sino para explorar cómo ambas se cruzan, se influyen y se reconocen.

La música aparece en la literatura de muchas maneras. A veces como referencia cultural, otras como atmósfera, otras como estructura invisible. Hay textos que avanzan rápido, como una canción pop; otros se demoran, como una pieza instrumental que pide atención. En ese sentido, la música no explica la literatura, pero sí ayuda a entender por qué ciertos libros se sienten de una forma muy particular.

En este episodio se habla de la música como una herramienta sensible: algo que acompaña la escritura, que marca tiempos, que despierta memorias. No como teoría, sino como experiencia.

La conversación también se mueve hacia la idea de la canción como relato. Hay canciones que cuentan historias completas en pocos minutos y otras que apenas sugieren, pero dejan huella. Esa economía del lenguaje, esa capacidad de decir mucho con poco, es algo que la literatura observa con atención. No para imitarla, sino para dialogar con ella.

Pero este episodio no se queda en lo abstracto. Tiene una voz concreta, una mirada personal y una trayectoria detrás.

Luis Miguel Rivas es escritor colombiano y autor de varios libros de narrativa reconocidos por su tono directo, su mirada urbana y su manera particular de retratar la intimidad, la memoria y las relaciones humanas. Entre sus obras se encuentran “Los amigos míos se viven muriendo” y “Era más grande el muerto”, libros que han conectado con lectores por su honestidad y su pulso narrativo.

Su escritura ha sido destacada dentro y fuera del país, y su obra ha circulado en editoriales y espacios literarios importantes de América Latina. En sus textos, la música aparece con naturalidad: no como adorno, sino como parte del mundo emocional de los personajes y del propio autor.

En este episodio de “Somos Canciones”, Luis Miguel Rivas habla desde ese lugar: el del escritor que escucha, que lee con oído y que entiende que, a veces, una buena historia se parece mucho a una buena canción.

#Air Supply, #George Michael, #Sabú, #Tormenta, #Leonardo Fabio, #Jorge Luis Borges, #Luis Miguel Rivas, #El muerto era más grande, #Helenita Vargas, #Ilegales, #Ricardo Arjona, #Joaquín Sabina, #Punk, #Rock Sinfónico, #Música Clásica, #Bob Dylan, #Balada Romántica, #Plancha, #Tango, #Charly García, #Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, #Argentina, #Milonga, #Rock Argentino, #Luis Alberto Spinetta, #Pity Álvarez, #Tego Calderón, #Reguetón, #Flamenco, #Bajo Fondo, #Ranchera, #José Alfredo Jiménez, #The Beatles, #José José, #Kraken, #Ricardo Montaner, #Amanda Miguel

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La imposible canción más bonita del mundo - Luis Miguel Rivas

El DJ de las mezclas imposibles – Alejandro Correa

En el mundo del DJing, lo más frecuente es moverse dentro de un mismo territorio sonoro. Un género, una estética, un pulso reconocible. A veces aparece una canción distinta, un cruce inesperado, pero casi siempre como yuxtaposición: pistas que se suceden sin un relato profundo que las conecte.

Lo que hace Alejandro Correa ocurre en otro plano.

Alejandro no mezcla canciones: mezcla mundos. Mundos culturales, emocionales y temporales que, en apariencia, no deberían convivir. Y sin embargo, bajo su mirada —y su oído— lo hacen con una naturalidad desconcertante.

En un mismo set pueden encontrarse David Bowie y Carlos Gardel, Depeche Mode y Rocío Dúrcal, Edith Piaf y la electrónica contemporánea. No como un gesto irónico ni como una rareza, sino como parte de una narrativa musical cuidadosamente construida.

La clave está en que nada ocurre al azar. Antes de que suene la primera canción, hay una estética pensada, una atmósfera diseñada. Alejandro produce sus sesiones como si fueran una obra completa: elige texturas, climas, efectos, silencios y transiciones que permiten que cada pieza dialogue con la siguiente. Cuando el set sucede en vivo, esa arquitectura previa se transforma en una experiencia orgánica, donde el público siente que las canciones se buscan entre sí.

Detrás de esa capacidad hay una escucha profunda y una formación musical amplia. Sus influencias son tan eclécticas como exigentes: música clásica, new wave, electrónica, canción popular latinoamericana, música ecuatoriana, chanson francesa.

No se trata de acumular referencias, sino de entender los lenguajes de cada género para permitirles coexistir sin que ninguno pierda su identidad. Por eso Alejandro tiene licencia para hacer convivir lo que otros ni siquiera se atreverían a imaginar.

En este episodio de Somos Canciones, la conversación va más allá de las mezclas. Aparece la pregunta por el criterio, por el respeto a la canción, por el rol del DJ como narrador emocional.

También surge una experiencia límite, cercana a la muerte, atravesada por la música, que marcó su relación con el sonido y con el silencio. No como anécdota efectista, sino como parte de una comprensión más profunda de por qué la música importa.

Alejandro Correa es un DJ y curador musical conocido en la movida nocturna de Medellín, por construir sets narrativos donde géneros, épocas y culturas dialogan con coherencia estética y sensibilidad emocional, desafiando las fronteras tradicionales del DJing.

En este episodio descubrirás:

- Qué significa realmente “mezclar mundos” y por qué no es lo mismo que cambiar de género.

- Cómo se construye una estética sonora antes de que empiece a sonar la música.

- Por qué algunas canciones, aunque lejanas en el tiempo o el estilo, se reconocen entre sí.

“El DJ de las mezclas imposibles” no es solo un episodio sobre técnica o gustos musicales. Es una invitación a escuchar sin prejuicios, a confiar en que la música —cuando está bien entendida— siempre encuentra la forma de dialogar.

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Aquí un playlist recomendado por Alejandro:

https://open.spotify.com/playlist/2FZLv0wsvVlNO5hVRZkr9u?si=Kfw0msj1QsKpW8LTXq-EQw&pi=So1jJrqYRMm2-

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Murock: Museo del rock de Medellín – Carlos Acosta

La música no solo se escucha. También se recuerda, se colecciona, se toca, se cuida. Y el rock, quizá más que cualquier otro género, ha construido una memoria colectiva que va mucho más allá de los discos. Por eso existen los museos del rock: espacios donde las canciones se vuelven objetos, historias, fotografías, afiches, guitarras gastadas y anécdotas que no siempre caben en un vinilo.

En distintas partes del mundo, el rock ha encontrado lugares para preservar su legado. En Cleveland, Estados Unidos, el Rock & Roll Hall of Fame funciona como una catedral para los grandes nombres del género, pero también como un archivo vivo que conecta generaciones.

En Londres, el British Music Experience recorre la historia de la música popular británica —con el rock como columna vertebral— desde los Beatles hasta el Britpop.

En Seattle, el Museum of Pop Culture (MoPOP) guarda una relación íntima con el grunge, con Nirvana como epicentro emocional. Incluso en ciudades más pequeñas, existen museos independientes, creados por fans, coleccionistas y periodistas que entendieron que el rock también merece ser contado desde abajo.

Estos espacios tienen algo en común: no nacieron solo para exhibir objetos, sino para proteger la memoria. Porque el rock no es solo sonido; es contexto social, rebeldía, identidad, juventud, barrio, época. Un museo de rock es, en el fondo, una forma de decir “esto pasó, esto importó y sigue importando”.

En América Latina, esa necesidad de preservar la historia del rock ha sido aún más urgente. Muchas escenas crecieron sin apoyo institucional, sin archivos formales, sin respaldo mediático. Lo que no se guardaba, se perdía. Y ahí es donde aparecen iniciativas valientes, hechas desde la pasión y la convicción.

En Medellín existe un lugar así: MUROCK, el Museo del Rock de Medellín. Un espacio dedicado a conservar, investigar y compartir la historia del rock local, nacional e internacional, pero sobre todo a visibilizar el papel que esta música ha tenido en la ciudad.

MUROCK no es un museo tradicional; es un punto de encuentro para melómanos, músicos, coleccionistas y curiosos. Allí conviven objetos, material visual y relatos que explican cómo el rock también ayudó a contar Medellín.

MUROCK está ubicado en la Sala de Exposiciones de la Casa de la Música, ubicada al frente del Planetario, en el Parque de los Deseos en Medellín.

Funciona como un proyecto cultural independiente, impulsado desde la autogestión y el amor por la música. Más que vitrinas, ofrece conversaciones. Más que nostalgia, propone memoria activa.

En este episodio de Somos Canciones vamos a hablar justamente de eso: de la importancia de cuidar la historia musical y de cómo se construye un museo desde la pasión.

Conversaremos con Carlos Alberto Acosta, creador de MUROCK, para entender cómo nació este proyecto, qué significa preservar el rock en una ciudad como Medellín y por qué, al final, somos canciones… pero también somos memoria.

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Un puente entre el folk latino y el mundo — Mónica Giraldo

Cuando los acordes de guitarra aparecen suaves, casi como un susurro, y la voz parece salir del rincón más cercano del alma… probablemente estés escuchando a Mónica Giraldo. Su música tiene ese don: sonar íntima, cercana, dulce. Y bajo ese manto de sencillez, albergar un mundo de sonidos, raíces y diálogos musicales.

Mónica Giraldo no es solo una cantautora más; es una exploradora musical —una artesana del “latin folk” que, con guitarra en mano, abre ventanas hacia el folclor colombiano, las tonadas de Sudamérica, ecos del Caribe, y hasta melodías con sabor a folk europeo o a clásicos del pop-rock anglosajón.

Esa fusión —ese puente entre lo local y lo universal— es lo que le da a su voz una fuerza particular. Su canto suena cercano, pero resuena lejos; sus canciones podrían nacer en un pueblo cafetero, moverse con el viento costeño, y terminar en una plaza europea. Esa mezcla de raíz y vuelo convierte su música en algo tan personal como global.

Para quienes escuchan, eso significa entrega: entrar en un espacio donde la guitarra y la voz se bastan para despertar recuerdos, anhelos o nostalgias. Donde un rasgueo suave te envuelve como un abrazo, y una lírica sencilla entra directa al corazón. Esa es la magia que define su estilo.

En este episodio de “Somos Canciones”, Mónica nos lleva detrás del sonido: hablamos de su formación (estudió música en Berklee College of Music y en la Universidad de los Andes en Bogotá), de por qué decidió retomar con guitarra y voz como sello, y de cómo su mirada artística abraza tradición y diversidad.

Además, descubrimos algo claro: en las manos de Mónica, el “latin folk” no es un género rígido, sino una plataforma. Un punto de partida para hablar de mundo, memoria, sensibilidad y comunidad.

Si algo resume esta entrevista —y su música— es esta idea: que el folk, lejos de ser un archivo, sea un puente abierto. Un puente donde lo local y lo global cohabitan, donde la guitarra y la voz reconstruyen historias, donde la tradición se reinventa con ternura.

Este episodio de Somos Canciones con Mónica Giraldo no es solo para quienes la conocen. Es para quienes quieran descubrir música hermosa, sin artificios; para quien crea que la música tiene el poder de unir raíces y mundos; para quienes aman escuchar con el corazón abierto. Es para quienes entienden que una canción puede ser al mismo tiempo tierra, nostalgia y horizonte.

No te pierdas esta entrega donde Mónica no solo cuenta buenas historias, sino que nos regaló algunas canciones solo con su guitarra y su voz.

#Joan Manuel Serrat, #Agustin Lara, #Chabuca Granda, #José A. Morales, #José Barros, #The Mamas & the Papas, #Sheryl Crow, #Mónica Giraldo, #Santiago Ríos, #Somos Canciones, #Latin Folk, #Elsa y Elmar, #Carmiña Gallo, #Bomba Stereo

Redes sociales Mónica Giraldo

Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/1VQAstnifwchhAfmoecBkx

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCsl49jJpg93vTTmHsZh978g

Instagram: https://www.instagram.com/monica_giraldo/

Facebook: https://www.facebook.com/MonicaGiraldo01

Sitio web: https://www.monicagiraldo.com/es/

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Animal de Radio - Andrés Nieto Molina

Andrés Nieto Molina tiene la radio en la sangre. Nació en una familia donde su padre, Julio Nieto Bernal, fue una figura clave en la radio colombiana, y fue ese ambiente el que marcó su destino. Nieto Molina creció entre estudios, micrófonos y cintas, haciendo programas caseros con su hermano Alejandro durante la niñez, experiencia que le enseñó de forma temprana que la radio no es solo un medio, es una forma de vida.

Su camino profesional comenzó en Veracruz Estéreo haciendo turnos de DJ, gracias a un demo que envió cuando aún estaba en la universidad. Más adelante, trabajó en Súper Estéreo y en la etapa temprana de Radioactiva. Luego decidió profesionalizarse: estudió Periodismo y Comunicación Social en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, incluso dando clases los fines de semana mientras ya estaba activo en radio.

Nieto Molina ha sido parte de emisoras importantes: ha dirigido programación musical, trabajado en conducción y ha mezclado su pasión por la música con su interés por la cultura, el deporte y la información.

Andrés es un animal de radio. La música ha sido, para él, un vínculo constante con sus raíces y su familia.

En este episodio de Somos Canciones, Andrés comparte cómo su formación familiar —su padre como referente, su madre como inspiración y su hermano como compañía de infancia radial— se transformó en una carrera construida con curiosidad, disciplina y pasión.

Habla también de sus años como DJ, de los desafíos de arrancar en emisoras juveniles y de su propia manera de entender qué significa “presentar música”: no solo poner canciones, sino contar historias.

Su recorrido también le ha dejado una reflexión profunda: la radio no es un medio muerto; es un espacio donde el oyente, el locutor y la música pueden encontrarse con autenticidad. Si bien la tecnología cambió todo, Nieto Molina recuerda que para él la esencia sigue siendo la misma: la conexión íntima con las audiencias, esa magia de transmitir desde el corazón de la cabina.

Al escucharlo en este episodio, te adentrarás en una conversación cargada de nostalgia, historias personales y momentos decisivos que definieron a un profesional que ha hecho de la radio su misión.

Además compartimos algunas historias muy divertidas, algunas subidas de tono que tienen que ver de alguna manera con la música.

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Presentado por Santiago Ríos.
-Pionero del Podcasting en Colombia.
-Creador y 1er director del formato Planeta Rock de Radioacktiva
-Amo los conciertos en vivo
-Amo la música
-Amo más hablar de música
Habrá más episodios de rock y pop. Pero también invitaré a gente que hablará de otros géneros y canciones.
Los invitados nos contarán:
- ¿Por qué les gustan ciertos géneros, artistas y canciones?
- Historias de canciones que marcaron su vida
- El top de su vida
- Datos y análisis (descomplicados) de artistas y géneros
- Cómo la música ha impactado en su vida y en su trabajo
- Cuándo se dio cuenta que le gustaba la música
- Qué significa la música para cada uno
- El primer vinilo, cassette o CD que compró
- El género que más le gusta
- Los 3 artistas que más le gustan
- Historias interesantes alrededor de la música
- El top 3 de canciones y álbumes de su vida
- Sus mejores conciertos
- Sus placeres musicales culposos
- Sus influencias en su gusto musical
- A qué canción se parecen
- Cómo conectarse con esas personas en redes sociales

Podcast producido por: www.milpalabras.com.co [http://www.milpalabras.com.co]




Santiago rios

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